Интервью: художник Джейн Ли
Сингапурская художница Джейн Ли известна своей инновационной работой в живописи. Она постоянно переворачивает традиционную среду с ног на голову, исследуя новые возможности в представлении картин как произведений искусства, не ограниченных рамками холста.
В связи с тем, что она недавно закончила резидентуру в Сингапурском институте печати Тайлер (STPI), Джейн сделала перерыв в живописи в пользу экспериментов с другими средствами массовой информации и создала новую работу, которая удивит и восхитит аудиторию, знакомую с ее прошлыми работами.
Art Republik садится с Джейн, чтобы узнать больше о ее любви к живописи, эволюции ее работы за эти годы и ее шоу «Свободно свободно» в STPI, которое будет проходить во время Недели искусств Сингапура в начале этого года.
Статус, 2009
Как развивалась ваша работа за эти годы? Что меняет вашу работу от кусочка к кусочку?
Я понятия не имел, что стану художником на полную ставку; Я хотел стать модельером. Так или иначе, я начал с живописи. Идея рисования состоит в том, что это двумерный объект на стене, но я постепенно увидел свою живопись как инсталляцию. Для меня стена, на которой установлена картина, является частью работы, потому что все, что находится вокруг картины, взаимодействует с ней.
Что делает живопись такой привлекательной средой для работы?
Мне нравится цвет, и мне нравится играть с краской. Даже запах краски привлекает меня. Около 10 лет назад, когда я стал серьезно относиться к живописи, я начал сомневаться, в чем суть живописи. Я спросил себя, есть ли другие способы сделать живопись, и посмотрел на традиционный процесс и методы, которые пошли на создание картины. Вот так я и начал играть со средой.
Птицы в клетках, 2015
Не могли бы вы провести нас через процесс создания художественного произведения, от концепции до исполнения?
Я очень практический человек. Когда я впервые начал рисовать традиционным способом, я много планировал, садился и создавал композиции для своих работ. Все изменилось в 1999 году, когда я отправился в Лондон, чтобы узнать больше о современном искусстве. Я присутствовал на семинаре, где лектор бросал краски на бумагу на пол и велел классу просто играть. Это было откровением для меня. И это стало тем, что я хотел сделать. Я понял, что к тому времени, когда я все спланировал, в работе уже не будет жизни. Я начал больше заниматься своими инстинктами и играть.
Как вы знаете, когда работа завершена?
Я полагаю, что произведение искусства никогда не может быть закончено. Если работа говорит со мной, это сделано. Это более эмоционально, чем интеллектуально. Я много говорю с моей картиной. Это интерактивный процесс. Картины живы, даже если они не разговаривают. У них есть определенные тенденции. Между художником и художником идут какие-то переговоры в процессе создания искусства.
Освободи меня VI, 2015
Как вы выбираете инструменты, которые используете для создания своих работ?
Традиционно картины делаются с использованием кистей и чаще всего рассказывают истории. Я нахожу инструменты из своей повседневной жизни, такие как кухонная утварь, чтобы сделать свое искусство.
Не могли бы вы рассказать нам о процессе создания произведения искусства?
Ну, утром, когда я прихожу в свою студию, я чувствую себя довольно счастливым и хочу использовать ярко-красный, но по ходу дня, и, возможно, я слушаю песни, тогда моё настроение может измениться, а затем моя живопись может получиться немного темно. Я не люблю заставлять что-либо происходить. В каком-то смысле развитие работы зависит от того, как я себя чувствую в определенный день.
Сколько времени у вас занимает завершение работы?
Для больших работ это может занять от шести месяцев до года. Иногда я работаю над куском, а затем на полпути, нет потока энергии, и поэтому я отложу его на время и вернусь к нему позже.
Койлинг VI, 2015
Вы отказываетесь от каких-либо работ?
Много.
Как вы решаете, что оставить?
Ты просто знаешь.
Является ли процесс создания вашего произведения более важным, чем внешний вид конечного продукта?
Я бы сказал, что если он составляет 100%, то процесс составляет 80%, а конечный продукт - 20%.
Вы хотите, чтобы люди интересовались процессом?
Конечно. Было бы здорово посмотреть за пределы поверхности и цвета. Я хочу, чтобы они задавали больше вопросов о живописи как о средстве и о процессе создания картины.
100 Faces, 2014
Не могли бы вы рассказать о своей повседневной жизни как художника?
Я начинаю свой день с йоги и медитации. Это важно, чтобы держать меня в гармонии с собой. Затем я иду в свою студию и начинаю работать. То, как я работаю, зависит от сроков, которые у меня есть. Если я в спешке и мне приходится работать очень интенсивно, скажем, на сольном шоу, я бы потом отказался возвращаться в студию довольно долго. Тем не менее, мой разум всегда думает, смотрит вокруг, ищет вдохновения в моей повседневной жизни, будь то утренняя прогулка или разговор с кем-то.
Вы ищете вдохновение от посещения музея или посещения выставок других художников?
На самом деле, я избегаю видеть слишком много работ других художников. Если вы видите слишком много, иногда определенные вещи, которые мне нравятся, подсознательно проникают в мою работу. Повседневная жизнь - мой источник вдохновения, будь то утренняя прогулка или разговор с кем-то. То, что я вижу вокруг себя, то, что люди говорят, - это маленькие вещи, которые являются моими источниками вдохновения.
Были ли у вас художники, на которых вы смотрели, когда только начинали?
Это был бы Роберт Райман. Что поразительно в нем, так это то, что он не художник по образованию. Я думаю, потому что ему не нужно знать, что должен делать художник, он способен придумывать свои освежающие произведения искусства.
Пробуждение, 2015
Но вы думаете, что важно сначала изучить основы?
Я думаю, что фундаментальные знания могут помочь художнику в предоставлении технических ноу-хау, таких как смешение цветов. Однако, как только эти навыки выучены, возможно, только когда они отброшены, что-то новое может быть создано.
Что на первом месте: названия ваших картин или сами картины? Каким образом названия, такие как «Статус» (2009), находящиеся в постоянной коллекции Художественного музея Сингапура, или «100 лиц» (2014), показанные на вашей персональной выставке в галерее Сундарам Тагор, Сингапур, работают вместе с вашими картинами для общаться с аудиторией?
С «Статусом» я ставил под сомнение статус картины. Один из кураторов Сингапурской биеннале 2008 года сказал мне, что я буду единственной выставкой художников. Этот разговор остался со мной. Мне показалось удивительным, что на художественной сцене было так мало художников, когда большинство художников, вероятно, начинали учиться на художников. Тогда я подумал, что, возможно, живопись в качестве медиума мертва, и в нем больше не было места для игры. Работа представляет собой исследование состояния живописи на региональной сцене современного искусства.
Я помню, что с «100 лицами» я думал, что люди стремились показать большие картины, которые были очень тяжелыми. Я решил разбить свою работу на 100 меньших и менее тяжелых частей, которые можно было бы собрать в большую картину. Кроме того, это был также комментарий о том, что у картины может быть много лиц, или о том, что может быть много способов создания картины, и, кроме того, у людей есть разные персонажи, которые появляются в компании разных людей.
Вы делитесь этими историями о создании этих работ с широкой аудиторией?
Обычно я бы не поделился, хотя, если бы люди спросили, я был бы рад. Я не хочу навязывать слишком много зрителю и диктовать то, что он видит в художественных работах.
Просто момент, 2015
Давайте поговорим о ваших новых работах в STPI, которые не ориентированы на живопись. Это новое направление для вас. Это сознательное решение?
Я давно хотел уйти из живописи, но не нашел оправдания для этого. Я подумал, что это хороший шанс изучить все, кроме живописи, и эффективно использовать возможности STPI. Это было хорошее время, когда меня пригласили.
Почему название «Свободно, свободно»?
Я хотел положительный титул для шоу. Мой подход к созданию своего искусства счастлив. Быть пойманным в ловушку и быть свободным - две темы на выставке. Например, в серии «Свертывание» процесс намотки бумаги может дать ощущение того, что вы оказались в ловушке. Булавки в катушках дают более сильное визуальное выражение того, что они оказались в ловушке. На некоторых работах на булавках сидят птицы, которые можно рассматривать как символы свободы.
Помимо бумажной работы, вы также работали с акрилом в шоу. Как это случилось?
Команда STPI очень открыта для идей. Я решил свободно экспериментировать и включил видео и анимацию, а также комбинированную бумагу с другими средами, такими как бумага со звуком и бумага с акрилом.
Как команда в STPI подтолкнула вашу художественную практику?
Большую часть своей карьеры я работал один в своей студии. Часто, когда у меня появляются эти маленькие сумасшедшие идеи, если бы я был один, это было бы сложно и занимало больше времени, и я не удосуживался поработать над ними. Работа здесь в STPI вывела меня из моей зоны комфорта. Способная команда людей здесь помогла мне провести мозговой штурм и увидеть возможности, и мои идеи могли быть реализованы в очень короткое время.
Как вы думаете, после этого шоу вы подойдете к своей практике по-другому?
Я художник в глубине души, и еще есть место, чтобы играть с краской. Что касается того, что это за картина и будет ли она похожа на то, что я делал, я не уверен. То, что я обнаружил здесь, в STPI, безусловно, окажет некоторое влияние, но я действительно не могу ответить на этот момент, что я буду делать. Мне нравится идея не знать. Если бы я уже знал, я бы этого не делал. Я хочу взволновать и восхитить зрителя, но чтобы сделать это, я должен сначала сделать это для себя.
История Кредитов
Текст по Надя Ван
Эта статья была первоначально опубликована в Art Republik.
Изображения предоставлены STPI
